예술의 영원한 주제. 수업 "예술의 영원한 주제" 예술의 영원한 주제와 삶의 메시지
영원한 주제
예술적이고 교육적인 아이디어:
진짜 예술은 결코
자기 자신에게만 만족하지 않습니다.
그 자체로는 끝이 아니다.
소리의 목적은 생산이고,
목표 - 작품 - 음악,
음악의 목적은 영성입니다.
그리고 정품아이템
그리고 예술의 주제는 인간이다.
A. 슈니트케.
수업의 목적:
보편적인 인간 가치, 세대의 사회적, 영적 경험의 비유적인 구현으로서의 음악에 대한 학생들의 인식과 인식.
작업:
음악 장르(록 오페라)의 종합에 대한 지식을 통합합니다.
음악에 대한 감정적으로 의식적인 인식을 개발하십시오.
정신의 힘과 사랑의 힘의 아름다움을 보는 능력, 공감하고 공감하는 능력을 기른다.
음악자료:
E. L. 웨버 <지저스 크라이스트 슈퍼스타>
아리아 "컵을 위한 기도"(영어 및 러시아어)
K. Kelmi "서클 닫기".
미술 재료:
I. Kramskoy "사막의 그리스도".
N. Ge "그리스도와 빌라도".
디오니소스 <십자가형>.
L. 다빈치 "최후의 만찬".
수업 슬라이드 프레젠테이션.
강의 계획:
| 수업 단계 | ||
| 문제 탐색 상황 만들기 | ||
| 겟세마네 동산에서 예수님의 아리아를 영어로 듣습니다. | ||
| 음악적 이미지에 대한 논의 | ||
| 음악 장르의 종합에 대한 지식 통합 | ||
| 겟세마네 동산에서 러시아어로 예수님의 아리아를 듣습니다. | ||
| 문학, 회화, 음악에서 예수 그리스도의 예술적 이미지 구현에 대한 분석. | ||
| K. Kelmi의 노래 "Closing the Circle" 연주 | ||
| 반사 |
따뜻한 말을 전하는 것을 두려워하지 마세요
그리고 좋은 일을 하세요.
불에 장작을 더 많이 넣을수록
더 많은 열기가 돌아올 것입니다.
오마르 카이얌
수업 중
U: - 안녕하세요. 여러분, 이 사진에서 무엇이 보이나요?
U: - 그릇이 무엇인지, 이 물건에 대한 정의를 내리세요.
D: - 채울 수 있는 것, 마실 수 있는 것 등.
U: - Ozhegov의 사전에는 "컵은 마시는 그릇입니다."라고 나와 있습니다. (슬라이드 2번)
이 단어가 사용된 진술을 기억해 봅시다. (어린이들이 예를 제시한 후 슬라이드 3번에 나열된 설명을 제공합니다.)
유: - 아래 나열된 진술을 어떻게 이해합니까?
쓴 잔을 마시십시오 (불행을 경험하십시오).
인내의 잔이 가득 찼습니다(더 이상 참을 수 없습니다).
집은 가득 차 있습니다 (집에 풍부하고 모든 것이 많이 있습니다).
필멸의 잔(죽음)을 마셔라.
저울은 한 방향으로 기울어져 있습니다(한 가지 결정이 내려집니다).
이러한 진술을 바탕으로 우리는 그릇이 액체로 채워져 있지 않다는 결론에 도달할 수 있지만 생활 내용.
인도에는 다음과 같은 매우 현명한 말이 있습니다.
사람을 알고 싶으면 그를 때려라
사람은 그릇이다
가득 차 있던 것이 밖으로 쏟아져 나오기 시작할 것이다
음악을 들어보세요. 이 사람의 컵에는 무엇이 채워져 있나요?
("겟세마네 동산에서 예수의 아리아"(영어)가 들립니다. 5.20)
U: - 음악 속 인물의 모습을 어떻게 보시나요?
디; (그 남자는 고통받고 있고, 그의 영혼은 불안하며, 절망에 빠져 비명을 지르고 있는 것 같습니다.)
U: - 이 음악이 클래식인가요, 아니면 모던인가요? 어떤 스타일로 분류할 수 있나요?
D: 아마도 이 음악은 우리 시대에 작곡되었을 것입니다. 스타일 면에서 연주되는 작품은 록 음악으로 분류될 수 있다.
U: - 당신 말이 맞아요. 록 오페라의 일부가 연주되었습니다.
이 조합이 이상하지 않나요? 록 오페라. 당신의 생각에는 음악에서 이렇게 서로 다른 두 가지 방향을 통합할 수 있는 것이 무엇이라고 생각합니까? (슬라이드 번호 4).
D: - 오페라 예술을 현대 청취자들이 접할 수 있게 만들고자 하는 작곡가들의 열망.
U: 오페라는 그 자체의 법칙에 따라 발전하는 음악 공연이에요. 오페라는 16세기에 등장했음에도 불구하고 끊임없이 변화했고, 다양하고 희극적이고 풍자적이며 비극적이었습니다. 무성한 장식과 수수한 의상으로 거리 무대를 펼쳤습니다. 얼마 전 우리는 오페라 "리골레토"를 들었는데, 그 이야기는 방탕하고 허영스럽고 경솔한 공작과 그의 측근에 관한 이야기였습니다. 그리고 록음악은 사회의 문제를 표현하는 방식이다.
실제로 Rock은 젊은 세대의 특정 분위기, 주변 생활 및 문제에 대한 태도를 표현하는 방법이 되었습니다. 많은 영리한 사람들, 시적으로나 음악적으로 재능이 있는 사람들이 락에 왔습니다. 그들은 록의 내용을 드러내기 위한 음악적 가능성을 찾으려고 노력했습니다.
새로운 표현 수단에 대한 탐색으로 인해 음악가들은 고전 음악을 포함하여 과거와 현재의 다른 방향을 창의적으로 사용하게 되었습니다. 오페라와의 연관성은 특별한 위치를 차지합니다. 결국 오페라는 연극이자 액션이며, 공연 방식과 다양한 장식 및 조명 효과를 갖춘 록이 극장으로 끌립니다. 록 오페라의 가장 중요한 특성은 음악과 극적인 액션의 내부 통일성입니다.
T: 오늘 수업 시간에 우리는 록 오페라 '지저스 크라이스트 슈퍼스타'의 일부를 들었습니다. 1971년 브로드웨이에서 상연된 이 작품은 새로운 장르의 탄생을 알리며 뉴욕 극장 시즌에 큰 반향을 불러일으켰습니다. (슬라이드 번호 5)
유: - 이 아리아는 어떤 영웅의 것이라고 생각하시나요?
예수 그리스도 -사람들을 악으로부터 구하려고 했으나 결국에는 피해자가 되고 만다.
유다 –배신자이지만 그리스도 자신과 그분의 사업을 구원하기 위해 배신하는 사람
본디오 빌라도 -자기 뜻에 반하여 벌을 내리는 자
헤롯 왕-가능한 모든 악을 구현합니다.
D: - 아마도 예수 그리스도이실 겁니다. 음악에서는 고통받는 사람의 이야기를 들을 수 있습니다. 음악은 고통과 절망으로 가득 차 있습니다.
U: - 이 사람의 삶에 대해 무엇을 알고 있나요? 그 사람이 당신에게 어떻게 보이나요?
D: - 이 사람은 사람을 구원하기 위해 땅에 오신 하나님의 아들입니다.
T: - 이 작품에서는 어떤 사건이 이야기된다고 생각하시나요?
D: -예수 그리스도의 생애 마지막 날에 관한 것입니다.
T: - 이 사건이 일어났을 때 예수님은 몇 살이셨나요?
D: - 33세. 그는 활력이 넘치는 젊은이였기 때문에 아마도 죽고 싶지 않았을 것입니다.
사람들의 행복을 위해 고문과 처형을 하러 가는 예수의 드라마, 유다의 배반, 그의 사랑하는 제자인 베드로, 빌라도의 모습, 부당한 재판을 집행하는 유대의 로마 총독의 포기, 군중은 선지자를 거부하고 그를 죽음에 이르게 했습니다. 높은 비극과 깊은 인간적 의미로 가득 찬 복음 전통의 이러한 모든 사건과 이미지는 오랫동안 작곡가와 작가들의 관심을 끌었고 계속해서 관심을 끌고 있습니다.
U: - 많은 예술가들이 캔버스에 예수 그리스도를 묘사했습니다. 시각적인 내용은 다음과 같습니다.
1. 디오니소스. 십자가형.1512
2.N.N. 게 그리스도와 빌라도 1890
3.레오나르도 다빈치. 최후의 만찬
4.I.Kramskoy. 사막의 그리스도
U: 'Praying for the Cup' 장면을 다시 들어보면서 이 음악이 어떤 그림과 어울리는지 맞춰볼까요? 들어보세요, 그리스도의 아리아에는 어떤 감정과 생각이 가득 차 있습니까? (아리아 "컵을 위한 기도"가 러시아어로 들립니다.) (폴더 "음악") 5.20.
U: - 어떤 감정으로 가득 차 있나요? 예수님의 아리아는 어떻게 구성되어 있나요?
D: - 처음에는 음악이 조용하고 서정적으로 들리다가 긴장감이 커지고 때로는 절망의 외침 지점에 도달하지만 모든 것이 멈추고 원래 멜로디가 다시 들립니다. 그러나 그녀는 자신감이 넘쳤고, 예수님은 결정을 내리셨습니다. 이 확신은 음악에서 느껴지며 소리는 더욱 커집니다.
U: - 그는 누구에게 말하고 있나요?
D: - 신께, 아버지께. 그리스도께서는 “내가 왜 죽어야 합니까?”라고 묻습니다. 그는 죽고 싶지 않지만 운명에 의해 결정된 것을 성취해야 한다는 것을 이해합니다.
U: - 잘 보세요. 음악과 일치하는 그림은 무엇입니까? (슬라이드 번호 6)
음악, 회화, 성경에 나타난 그리스도 형상의 예술적 구현을 분석합니다. 사람들은 I. Kramskoy의 그림 "사막의 그리스도"가 음악과 더 조화를 이룬다는 결론에 도달했습니다. (슬라이드 번호 7)
황량하고 바위가 많은 풍경을 배경으로 깊이 홀로 앉아 깊은 생각에 빠지는 그리스도는 더 높은 목표의 이름으로 자신을 희생할 준비가 된 상징으로 인식됩니다.
U: - 오페라의 창작자들, (슬라이드 번호 8)아주 어렸어요(작곡가 로이드 웨버는 23세, 대본 작가 팀 라이스는 26세).
20세기 중반, 급속한 기술 발전, 우주 기술, 과학적 발견의 시대에 아주 젊은 사람들이 이 주제에 관심을 갖게 된 이유는 무엇이라고 생각합니까?
D: - 우리는 기독교 기도에서 순결, 이타심, 형제애의 이상을 발견했습니다. 탐욕, 이기심, 이기심에 빠진 사회의 영적 쇄신을 향한 길. (슬라이드 번호 9).
타임지와의 인터뷰에서 팀 라이스는 “우리는 예수님을 신으로 보지 않고, 적절한 시기에 적절한 장소에 있었던 사람으로 본다”고 말했습니다. 그의 위대함은 더욱 커진다" .
마지막 장면은 연극 공연이 우리 앞에 펼쳐졌음을 암시합니다. 예술에서 사랑, 우정, 배신, 희생에 관한 "영원한"이라는 주제에 대한 공연입니다. 이 주제를 '영원한' 주제라고 부르는 이유는 모든 시대, 모든 연령층의 사람들이 생각하고 반성하게 하기 때문입니다.
록 오페라 '지저스 크라이스트 슈퍼스타'가 창작된 지 40년 이상이 지났지만 오늘날에도 이 작품은 청취자들의 수요가 여전히 남아 있습니다.
첫 번째 슬라이드로 돌아가면 모든 사람이 자신에게서 발생한 감정, 느낌으로 컵을 채우려고 노력할 것입니다.
D: - 친절, 연민, 사랑, 연민
이것이 아마도 오늘날 우리가 여전히 예수 그리스도의 형상에 의지하는 이유일 것입니다.
Zabelin Vladislav “하나님이 우리에게 허락하사”
1.하나님, 조금만 더 주세요
행복과 사랑
그리고 좋은 친구들도
우리를 실망시키지 않기 위해
예: 밤에 창문을 활짝 열어 두다
열어놓고 기도할게
별들은 하늘에서 웃을 것이다
그리고 슬픔은 사라질 것이다
별들은 하늘에서 웃을 것이다
그리고 슬픔은 사라질 것이다
2. 하나님께서 우리에게 더 지혜롭게 해주시기를 바랍니다
그리고 더 강해지세요
서로 좀 더 친절하게 지내자
사랑을 가르치세요
참고문헌 및 인터넷 자원 목록.
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스타일과 트렌드의 수는 무한하지는 않더라도 엄청납니다. 작품을 스타일로 분류할 수 있는 주요 특징은 예술적 사고의 공통 원칙입니다. 한 가지 예술적 사고 방법을 다른 방법(구성 유형, 공간 구성 방법, 색상 특징의 교체)으로 대체하는 것은 우연이 아닙니다. 예술에 대한 우리의 인식도 역사적으로 바뀌었습니다.
계층적 순서에 따라 스타일 시스템을 구축함으로써 우리는 유럽중심적 전통을 고수할 것입니다. 미술사에서 가장 중요한 개념은 시대 개념이다. 각 시대는 철학적, 종교적, 정치적 사상, 과학적 개념, 세계관의 심리적 특성, 윤리적 및 도덕적 기준, 삶의 미학적 기준으로 구성된 특정 "세계 그림"이 특징이며 한 시대를 다른 시대와 구별합니다. . 원시시대, 고대시대, 고대시대, 중세시대, 르네상스시대, 근대시대가 그것이다.
예술의 스타일에는 명확한 경계가 없습니다. 서로 원활하게 변형되며 지속적으로 발전하고 혼합되고 반대됩니다. 하나의 역사적 예술 스타일의 틀 내에서 항상 새로운 스타일이 탄생하고, 이는 차례로 다음 스타일로 전달됩니다. 많은 스타일이 동시에 공존하므로 '순수한 스타일'은 전혀 존재하지 않습니다.
동일한 역사적 시대에 여러 스타일이 공존할 수 있습니다. 예를 들어 17세기에는 고전주의, 아카데믹주의, 바로크, 18세기에는 로코코와 신고전주의, 19세기에는 낭만주의와 아카데미즘이 있습니다. 고전주의와 바로크 같은 스타일은 건축, 회화, 장식 및 응용 예술, 문학, 음악 등 모든 유형의 예술에 적용되기 때문에 훌륭한 스타일이라고 불립니다.
예술적 스타일, 방향, 추세, 학교 및 개별 마스터의 개별 스타일 특징을 구별하는 것이 필요합니다. 하나의 스타일 안에는 여러 가지 예술적 움직임이 있을 수 있습니다. 예술적 방향은 특정 시대의 전형적인 특성과 독특한 예술적 사고 방식으로 구성됩니다. 예를 들어, 아르누보 스타일에는 후기 인상주의, 상징주의, 야수파 등 세기 전환기의 다양한 트렌드가 포함되어 있습니다. 반면에 예술 운동으로서의 상징주의 개념은 문학에서는 잘 발달되어 있지만 회화에서는 매우 모호하고 스타일이 너무 다른 예술가들을 하나로 묶어 그들을 하나로 묶는 세계관으로 만 해석하는 경우가 많습니다.아래에는 현대 미술 및 장식 예술에 어떤 식으로든 반영되는 시대, 스타일 및 추세에 대한 정의가 제공됩니다.
- 12~15세기 서부 및 중부 유럽 국가에서 발전한 예술 스타일. 그것은 중세 예술의 수세기에 걸친 진화의 결과였으며, 가장 높은 단계이자 동시에 역사상 최초의 범 유럽, 국제 예술 스타일이었습니다. 그는 건축, 조각, 회화, 스테인드 글라스, 도서 디자인, 장식 및 응용 예술 등 모든 유형의 예술을 다루었습니다. 고딕 양식의 기초는 위쪽을 향한 뾰족한 아치, 다양한 색상의 스테인드 글라스 창, 시각적 형태의 비물질화를 특징으로 하는 건축이었습니다.
고딕 예술의 요소는 현대적인 인테리어 디자인, 특히 벽화에서 자주 발견되며 이젤 그림에서는 덜 자주 발견됩니다. 지난 세기 말부터 고딕 하위문화가 존재해 왔으며 이는 음악, 시, 의상 디자인에서 뚜렷이 드러납니다.(르네상스) - (프랑스 르네상스, 이탈리아 Rinascimento) 서부 및 중부 유럽의 여러 국가와 동유럽 일부 국가의 문화 및 이념 발전 시대. 르네상스 문화의 주요 특징: 세속적 성격, 인본주의적 세계관, 고대 문화유산에 대한 호소, 일종의 "부활"(따라서 이름)입니다. 르네상스 문화는 중세에서 현대로의 과도기 시대의 특정 특징을 가지고 있으며, 옛 것과 새 것이 서로 얽혀 독특하고 질적으로 새로운 합금을 형성합니다. 어려운 질문은 르네상스의 연대순 경계(이탈리아에서는 14~16세기, 다른 국가에서는 15~16세기), 영토 분포 및 국가 특성입니다. 현대 미술에서 이 스타일의 요소는 벽화에 자주 사용되며 이젤 그림에서는 덜 자주 사용됩니다. 
- (이탈리아어 maniera - 기술, 매너에서 유래) 16세기 유럽 예술의 한 운동. 매너리즘의 대표자들은 르네상스의 세계에 대한 조화로운 인식, 즉 자연의 완벽한 창조물로서의 인간에 대한 인본주의적 개념에서 벗어났습니다. 삶에 대한 예리한 인식은 자연을 따르지 않고 예술가의 영혼 속에 태어난 예술적 이미지의 주관적인 '내면 아이디어'를 표현하려는 프로그램적 욕구와 결합되었습니다. 그것은 이탈리아에서 가장 분명하게 나타났습니다. 1520년대 이탈리아 매너리즘. (Pontormo, Parmigianino, Giulio Romano)는 이미지의 극적인 선명도, 비극적 세계관, 복잡성 및 포즈와 움직임의 동기에 대한 과장된 표현, 인물의 길쭉한 비율, 색상 및 빛과 그림자의 불협화음이 특징입니다. 최근에는 미술사가들이 역사적 스타일의 변화와 관련된 현대 미술의 현상을 언급하기 위해 사용되기 시작했습니다. - 중세 이탈리아에서 처음으로 널리 퍼진 역사적인 예술 스타일. XVI-XVII 세기, 그리고 XVII-XVIII 세기에 프랑스, 스페인, 플랑드르 및 독일에서. 보다 광범위하게, 이 용어는 표현적이고 역동적인 형태로 생각하는 불안하고 낭만적인 태도의 끊임없이 갱신되는 경향을 정의하는 데 사용됩니다. 마지막으로, 거의 모든 역사적 예술 스타일에서, 최고의 창의적 고조, 감정의 긴장, 형태의 폭발성 단계로서 고유한 "바로크 시대"를 찾을 수 있습니다. - 17세기 서유럽 미술의 예술적 스타일 - 초기. XIX 세기 및 러시아 XVIII - 초기. 고대 유산을 따라야 할 이상으로 삼은 XIX. 그것은 건축, 조각, 회화, 장식 및 응용 예술 분야에서 나타났습니다. 고전 예술가들은 고대를 최고의 성취로 여겼고 그것을 예술의 표준으로 삼아 모방하려고 했습니다. 시간이 지나면서 그것은 학문주의로 변질되었습니다. - 고전주의를 대체한 1820~1830년대 유럽과 러시아 예술의 방향. 낭만주의자들은 고전주의자들의 이상적인 아름다움과 “불완전한” 현실을 대조하면서 개성을 강조했습니다. 예술가들은 밝고 희귀하며 특별한 현상과 환상적인 자연의 이미지에 매료되었습니다. 낭만주의 예술에서는 개인의 날카로운 인식과 경험이 중요한 역할을 합니다. 낭만주의는 추상적인 고전주의 교리에서 예술을 해방시켜 그것을 국가 역사와 민속 이미지로 전환시켰습니다. 
- (라틴어 정서에서 - 감정) - "이성"(계몽주의 이데올로기)의 이상을 바탕으로 "문명"에 대한 실망을 표현하는 18세기 후반 서양 미술의 방향. S.는 "작은 남자"의 시골 생활의 느낌, 고독한 성찰, 단순함을 선포합니다. J. J. 루소(J. J. Rousseau)는 S. - 현상과 사물의 외형과 본질 모두를 최고의 진실성과 신뢰성으로 묘사하려고 노력하는 예술의 방향. 이미지를 생성할 때 창의적인 방법으로 개별 기능과 일반적인 기능을 결합하는 방법. 원시시대부터 현재에 이르기까지 존재하는 가장 긴 방향. - 19세기 말과 20세기 초 유럽 예술 문화의 방향. 인도주의 영역(철학, 미학 - 실증주의, 예술 - 자연주의)에서 부르주아 "상식" 규범의 지배에 대한 반작용으로 등장한 상징주의는 주로 1860-70년대 후반의 프랑스 문학과 그 이후에 형성되었습니다. 벨기에와 독일, 오스트리아, 노르웨이, 러시아에서 널리 퍼졌습니다. 상징주의의 미학적 원리는 주로 낭만주의의 개념과 A. Schopenhauer, E. Hartmann, 부분적으로 F. Nietzsche의 이상주의 철학의 일부 교리, 독일 작곡가 R. Wagner의 창의성과 이론화로 거슬러 올라갑니다. . 상징주의는 살아있는 현실을 환상과 꿈의 세계와 대조했습니다. 시적 통찰이 만들어낸 상징이자 일상의 의식 속에 숨겨진 현상의 초자연적인 의미를 표현하는 상징은 존재의 비밀과 개인의 의식을 이해하는 보편적인 도구로 여겨졌다. 창의적인 예술가는 현실과 초감각 사이의 중재자로 여겨졌으며, 모든 곳에서 세계 조화의 "징후"를 찾고, 현대 현상과 과거 사건 모두에서 미래의 징조를 예언적으로 추측했습니다. -(프랑스 인상에서-인상) 프랑스에서 발생한 19세기 후반부터 20세기 초까지의 예술 방향. 이 이름은 미술 평론가 L. Leroy가 1874년 C. Monet의 그림 "Sunrise"를 발표한 예술가들의 전시회를 폄하한 데 의해 소개되었습니다. 인상". 인상주의는 첫인상의 신선함과 환경의 가변성을 강조하면서 현실 세계의 아름다움을 확인했습니다. 순전히 회화적인 문제를 해결하는 데 대한 주된 관심은 예술 작품의 주요 구성 요소로 그림을 그리는 전통적인 아이디어를 감소시켰습니다. 인상주의는 유럽과 미국의 예술에 강력한 영향을 미쳤으며 실제 생활의 주제에 대한 관심을 불러일으켰습니다. (E. 마네, E. 드가, O. 르누아르, C. 모네, A. 시슬리 등) - 신인상주의 틀 내에서 발전한 회화 운동(분할주의와 동의어). 신인상주의는 1885년 프랑스에서 시작되어 벨기에와 이탈리아로 전파되었습니다. 신인상파는 광학 분야의 최신 업적을 예술에 적용하려고 시도했으며, 이에 따르면 시각적 인식에서 원색의 별도 점으로 만든 그림은 색상의 융합과 그림의 전체 영역을 제공합니다. (J. Seurat, P. Signac, C. Pissarro). 
후기 인상주의- XIX - 1분기 프랑스 회화의 주요 방향에 대한 조건부 집합 이름입니다. XX세기 후기 인상주의 예술은 순간의 전달, 그림 같은 느낌에 초점을 맞추고 사물의 형태에 대한 관심을 잃은 인상주의에 대한 반작용으로 나타났습니다. 후기 인상파 중에는 P. Cezanne, P. Gauguin, V. Gogh 등이 있습니다. - 19~20세기 초 유럽과 미국 미술의 스타일. 모더니즘은 시대별 예술의 특징을 재해석하고 양식화했으며, 비대칭성, 장식성, 장식성의 원리를 바탕으로 자신만의 예술적 기법을 발전시켰습니다. 자연적인 형태 역시 현대적인 양식화의 대상이 됩니다. 이것은 모더니스트 작품의 꽃 장식에 대한 관심뿐만 아니라 구성 및 플라스틱 구조, 즉 풍부한 곡선 윤곽, 떠 다니는 신경, 식물 형태를 연상시키는 새로운 윤곽을 설명합니다.
모더니티와 밀접하게 연결된 상징주의는 모더니티의 미학적, 철학적 기반이 되었으며, 모더니티를 아이디어의 조형적 구현으로 의존했습니다. 아르누보(Art Nouveau)는 나라마다 다른 이름을 가지고 있는데, 이는 기본적으로 동의어입니다. 아르누보(프랑스), 분리파(Secession) - 오스트리아, 아르누보(독일), 리버티(Liberty) - 이탈리아.
- (프랑스 모던에서 모던까지) 20세기 전반의 여러 예술 운동의 총칭으로, 과거의 전통적 형태와 미학을 부정하는 것이 특징입니다. 모더니즘은 아방가르드에 가깝고 학문주의와 반대되는 개념이다. - 1905~1930년대에 널리 퍼졌던 다양한 예술 운동을 통합하는 이름입니다. (야수파, 입체파, 미래파, 표현주의, 다다이즘, 초현실주의). 이러한 모든 방향은 예술의 언어를 갱신하고, 그 과제를 재고하며, 예술적 표현의 자유를 얻으려는 열망으로 통합됩니다. 
- XIX - AD의 예술 방향. XX 세기는 이미지의 모든 형태를 가장 단순한 기하학적 형태로 축소하고 색상을 따뜻하고 차가운 톤의 대조 구조로 축소한 프랑스 예술가 Paul Cezanne의 창의적인 교훈을 기반으로 합니다. 세잔은 입체파의 출발점 중 하나였습니다. 세잔주의는 국내 사실주의 회화에도 큰 영향을 미쳤습니다. 
-(야수파-야생에서) 프랑스 예술의 아방가르드 운동. XX세기 "와일드"라는 이름은 현대 비평가들이 1905년 파리 독립 살롱에서 공연한 예술가 그룹에게 붙인 이름인데 아이러니합니다. 이 그룹에는 A. Matisse, A. Marquet, J. Rouault, M. de Vlaminck, A. Derain, R. Dufy, J. Braque, C. van Dongen 등이 포함되었습니다. Fauvists는 간결한 표현력에 대한 매력으로 모였습니다. 형태와 강렬한 색상 솔루션, 원시적 창의성의 충동 탐색, 중세 및 동양 예술. - 시각적 수단을 의도적으로 단순화하고 예술 발전의 원시 단계를 모방합니다. 이 용어는 소위를 의미합니다. 특수 교육을받지 않았지만 XIX 후반부터 초기까지 일반적인 예술 과정에 참여한 예술가의 순진한 예술. XX세기. N. Pirosmani, A. Russo, V. Selivanov 등의 예술가들의 작품은 자연 해석의 독특한 유치함, 일반화 된 형식과 세부적인 문자 그대로의 조합이 특징입니다. 형식의 원시주의는 내용의 원시성을 미리 결정하지 않습니다. 이는 종종 민속, 본질적으로 원시 예술로부터 형식, 이미지 및 방법을 차용하는 전문가를 위한 소스 역할을 합니다. N. Goncharova, M. Larionov, P. Picasso, A. Matisse는 원시주의에서 영감을 얻었습니다. 
- 고대와 르네상스의 기준을 바탕으로 발전한 예술의 방향. 이는 16세기부터 19세기까지 유럽의 많은 미술 학교에서 흔히 볼 수 있었습니다. 학문주의는 고전적 전통을 창조적 탐구를 제한하는 "영원한" 규칙과 규정의 체계로 바꾸었고, 불완전한 살아있는 자연을 "고상하게" 개선되고, 비국가적이며 시대를 초월한 아름다움의 완벽함과 대조시키려고 노력했습니다. 학문주의는 예술가의 현대 생활의 주제보다 고대 신화, 성서적 또는 역사적 주제를 선호하는 것이 특징입니다. - (프랑스 입체파, 큐브-큐브에서) 20세기 1분기 예술의 방향. 입체파의 플라스틱 언어는 물체의 기하학적 평면으로의 변형과 분해, 즉 형태의 플라스틱 변화에 기반을 두고 있습니다. 입체주의의 탄생은 1차 세계대전 직전인 1907~1908년에 일어났다. 이 추세의 확실한 리더는 시인이자 홍보 담당자인 G. Apollinaire였습니다. 이 운동은 20세기 예술의 발전에 있어 선도적인 경향을 구현한 최초의 운동 중 하나였습니다. 이러한 경향 중 하나는 그림의 예술적 가치에 대한 개념의 지배였습니다. J. Braque와 P. Picasso는 입체파의 아버지로 간주됩니다. Fernand Leger, Robert Delaunay, Juan Gris 등이 신흥 운동에 합류했습니다. - 1924년 프랑스에서 발생한 문학, 회화, 영화 분야의 운동입니다. 이는 현대인의 의식 형성에 크게 기여했다. 이 운동의 주요 인물은 Andre Breton, Louis Aragon, Salvador Dali, Luis Buñuel, Joan Miro 및 기타 전 세계의 많은 예술가입니다. 초현실주의는 현실 너머의 존재에 대한 생각을 표현했습니다. 여기서는 부조리, 무의식, 꿈, 백일몽이 특히 중요한 역할을 합니다. 초현실주의 예술가의 특징적인 방법 중 하나는 의식적 창의성에서 물러나 환각과 유사한 잠재 의식의 기괴한 이미지를 다양한 방식으로 추출하는 도구가 되는 것입니다. 초현실주의는 여러 위기에서 살아남았고, 제2차 세계대전에서도 살아남았으며 점차적으로 대중문화와 융합하고 트랜스 아방가르드와 교차하면서 포스트모더니즘에 필수적인 부분으로 들어갔습니다. 
- (라틴어 futurum - 미래에서) 1910년대 예술의 문학적, 예술적 운동. 미래 예술의 원형 역할을 맡는 미래주의는 문화적 고정관념을 깨뜨린다는 생각을 내세웠고, 대신 기술과 저급함에 대한 변명을 현재와 미래의 주요 신호로 제시했다. . 미래주의의 중요한 예술적 아이디어는 현대 생활 속도의 주요 신호로서 이동 속도의 플라스틱 표현을 찾는 것이 었습니다. 러시아 버전의 미래주의는 큐보퓨처리즘(cubofuturism)이라고 불리며 프랑스 입체주의의 플라스틱 원리와 미래주의 이즈마(izma)의 유럽 일반 미학적 설치의 조합을 기반으로 했습니다. 예술과 삶의 영원한 주제
목표: 다양한 예술 작품과의 소통을 통해 예술의 언어는 시간이 지나도 변하지 않으며 인류가 발전시킨 영적 가치에 기초하고 있음을 이해하려고 노력합니다.
작업:
다양한 시대와 운동의 예술 작품에 대한 정서적, 의식적 태도 개발;
예술적 이미지의 "소리 내기"를 통해 예술가가 어떻게 시대의 맥박을 반영하면서 그 시대의 연대기가 되는지 이해하는 방법을 배우십시오.
학생들이 수업 자료(J. S. Bach의 음악, 그림 재현, "Golden City", "Candles" 노래의 비유적 연주)를 기반으로 분석, 종합 및 성찰하는 능력을 개발합니다.
인류가 발전시킨 영원한 가치에 대한 당신의 태도를 표현하는 법을 배우십시오.
음악과 그림의 만남을 통해 학생들의 문화예술적 지평을 넓혀줍니다.XVIII-XX세기
수업 형태 : 반성 수업.
장비: J. S. Bach, B. Grebenshchikov, F. da Milano의 초상화, 양초, 오르간 사진, 양초 불꽃, 그림 복제품(T. Gainsborough "Lady in Blue", A. Venetsianov "At the Harvest", B. Kustodiev “차를 마시는 상인의 아내"), 대화형 보드.
수업 스크립트
“생각은 변해도 마음은 그대로입니다.”
F. M. 도스토옙스키
1. 조직의 순간
인사하는 학생들. 일할 준비를 하고 있습니다.
– 오늘 우리는 특이한 교훈, 즉 성찰 교훈을 가지고 있습니다. 우리는 무엇에 대해 생각할 것입니까? 러시아 작가의 "생각은 변하지만 마음은 그대로이다"라는 말이 우리를 도와주세요19세기부터 F. M. Dostoevsky까지.(작가의 발언과 초상이 대화형 화이트보드 화면에 나와있습니다.) 이 말을 어떻게 이해합니까? (아이들의 답변)
– 실제로 세월이 흐르고 시대 전체가 지나가고 사람들의 세대가 변하지만 어려운시기에 도움이되는 친절, 희망, 믿음의 감정은 남아 있습니다. 그리고 예술가가 언제 살았는지, 수년 전이었는지, 오늘이었는지는 중요하지 않습니다. 만약 그가 진정한 주인이라면 그는 많은 세대의 사람들을 감동시키고 “위로와 응원”을 가져다 줄 작품을 만들 것입니다. 우리는 다양한 시대에 창조된 예술 작품을 만나고 그것이 동시대 사람들, 즉 당신과 나에게 어떤 영향을 미치는지 이해하려고 노력할 것입니다.
음악 "Golden City"를 듣는다
대화.
– 처음에 연주된 음악을 아셨나요? (B. Grebenshchikov, F. Canova da Milano의 "황금 도시")
(인터랙티브 보드에 F. Canova da Milano와 B. Grebenshchikov의 초상화 표시)
– 이 노래는 무엇에 관한 노래인가요? (악과 폭력이 없고 빛이 많은 이상적인 도시에 대해)
– 이 도시 주민들의 성격은 어떤가요? (이들은 온화하고 몽환적이며 동정심 많은 사람들입니다)
– 곡을 연주하며 작자의 억양을 진솔하게 표현해 보도록 하겠습니다.
('Golden City' 노래 연주)
– 노래 이미지는 구하셨나요? (아름다움, 친절, 부드러움의 이미지를 전달하려고 노력했습니다)
– 그리고 이 음악이 우리 영혼에 조금이라도 감동을 주었다면 그것은 헛된 것이 아니었습니다. 그녀는 우리에게 “위로와 지지”가 되어줍니다.
– 현대 록 음악가 보리스 그레벤시코프가 종말의 음악가의 멜로디로 변한 이유XVI세기 프란체스코 다 밀라노? (이것은 일종의 영혼의 친족 관계였습니다. 여러 시대에 예술 창작자들은 사람들이 인생의 어려움을 극복하는 데 도움이 될 빛의 원천을 찾으려고 노력했습니다.)
– 아마도 사람들이 자신의 능력에 대한 자신감을 얻도록 도운 그러한 대가는 작곡가 요한 세바스티안 바흐였을 것입니다.(화면에는 J. S. Bach의 초상화가 있습니다.)
– 어느 나라가 바흐를 세계에 선물했는지 기억하시나요? (독일)
– 보세요: 바흐는 동시대 사람들과 완전히 다릅니다. 그의 옷도 다르고 헤어스타일도 다릅니다. 작곡가는 250년 이상 전에 살았습니다.
– 겉모습을 보면 그 사람의 내면을 알 수 있다고 하잖아요. 그 사람이 경박한 사람이었다고 생각하시나요? (학생들은 작곡가의 내면 세계에 대해 이야기합니다. 진지하고 차분하며 세심한 표정, 아마도 자신과 주변 사람들을 요구할 것입니다)
– 그가 까다로운 사람이라는 사실은 작곡가가 이미 성인기에 주요 작품을 썼다는 사실로 입증됩니다.
작곡가에 대한 메시지(학생 그룹을 위한 고급 작업)
요한 암브로시우스(Johann Ambrosius)의 막내 아들인 요한 세바스티안 바흐(Johann Sebastian Bach)는 1685년 3월 21일 아이제나흐(Eisenach)에서 태어났습니다. 그는 요한 에른스트 공작의 바이마르 궁정 음악가였으며, 뮐하우젠과 바이마르 교회의 오르간 연주자였으며, 대공 안할트케텐 궁정의 실내악 감독이었습니다. 1723년 그는 라이프치히 음악합창단의 지휘자로 임명되었습니다.
작곡가의 전기 단편을 듣고 학생들은 그의 삶이 "바퀴를 타고" 작곡가가 이곳 저곳으로 이동했다는 사실에 주목합니다.
그 당시 음악가의 삶은 어려웠습니다. 끊임없는 수입 추구로 인해 그는 새로운 일자리를 찾아야했습니다. 전기 작가들은 또한 작곡가가 너무 독립적인 성향을 갖고 있으며 “불충분하게 순종적인” 음악을 썼다고 말했습니다. 오랫동안 바흐는 예배에 동행하면서 교회에서 일했습니다. 따라서 그는 강력하고 큰 소리를 내는 악기인 오르간을 위해 많은 음악을 썼으며 그 소리는 전체 심포니 오케스트라에 필적합니다.(장기의 이미지가 화면에 나타납니다.)
다른 많은 사람들처럼 바흐도 인생의 어려움을 연달아 극복했습니다. 그의 가족이 그와 함께 있었습니다. 바흐는 피곤한 일을 마치고 집에 돌아왔다. 그리고 가족들은 거실 테이블에서 그를 만나 지난날의 소감을 나누었다. 이 대화를 들어보자.
(E 단조의 오르간 Prelude를 듣습니다.)
– 대화의 성격은 무엇이었나요? 그들은 서로 어떻게 대화를 나누었나요? 대화가 차분했나요 아니면 긴장됐나요? (그들은 서로에 대해 말했고 누구도 방해하지 않았습니다. 측정되고 차분한 연설)
– 이것을 어떻게 이해하셨나요? (제안된 음악: 차분함, 서두르지 않은 템포, 조용한 역동성, 목소리가 번갈아 들림)
– 대화 내용은 무엇입니까? (아이들의 대답)
– 음악에서의 이러한 일치를 다성음악(그리스어 "다성음악"에서 유래)이라고 합니다.
(“다성음악”의 정의가 화면에 나와 있습니다.)
– 나의 어머니 안나 막달레나(Anna Magdalena)는 집을 따뜻하게 유지하는 데 도움을 주었습니다. 바흐의 첫 아내가 죽었고, 안나 막달레나는 아이들의 진정한 어머니가 되었고, 바흐 자신에게는 어려움을 극복하는 데 도움을 주는 친구가 되었습니다. 작곡가는 일종의 표창장인 안나 막달레나에게 음악을 헌정했습니다.
(J. S. Bach의 모음곡 2번 중 Scherzo 소리.)
들은 후 학생들은 자신의 감상을 공유하고 분위기, 표현 수단, 부드러운 목소리의 독주 악기인 플루트에 주의를 기울입니다.
(화면에는 플루트의 이미지가 있습니다.)
(화면에서 - "동질성"의 정의.)
– 이 음악을 뭐라고 부르겠어요? (나비, 농담, 구름, 설레임) 왜요? (아이들의 대답)
– 바흐 자신은 이 곡을 '스케르초(Scherzo)'라고 불렀습니다.(칠판에는 "scherzo"라는 새로운 단어가 있습니다.)
– Scherzo는 이탈리아어로 '농담'을 의미합니다. 작곡가 당시에는 전문 음악이 이탈리아에 등장했기 때문에 음악 이름은 일반적으로 이탈리아어로 지정되었습니다.
– 작곡가가 자신의 음악에 왜 이런 이름을 붙였다고 생각하시나요? (아이들의 대답) 아마도 그는 아내와 아이들이 삶의 괴로움을 잠시 잊고 웃는 모습을 보고 싶었기 때문일 것입니다.
다음으로 학생들은 그룹으로 나뉩니다. 각 그룹에는 종이와 마커가 제공됩니다. 그들은 "Scherzo"의 음악을 묘사하고 그 박동과 멜로디의 움직임을 느끼도록 초대되었습니다. 또한 보드 화면에서는 한두 명의 학생이 음악의 맥박을 보여줍니다. 작업을 완료한 후 완료된 작업에 대한 토론이 있습니다. 각 그룹은 자신의 프로젝트를 옹호하고 이사회에서 학생들의 작업을 분석합니다. 다음으로, 사람들은 음악이 끊임없이 움직이며 우리의 상상력도 함께 움직인다는 결론에 도달합니다.
그 후, 학생들은 여성 초상화를 보고 어떤 이미지가 스케르초의 음악에 가장 가까운 억양을 가지고 있는지 결정하도록 요청받습니다.
(화면에는 여성 초상화가 있습니다. 농민 여성(A. Venetsianov "At the Harvest"), 상인 여성(B. Kustodiev "Merchant's Wife at Tea"), 귀족 여성(T. Gainsborough "The Lady in Blue").
아이들은 이미지를 반영합니다. "The Lady in Blue"는 "Scherzo"와 비슷한 억양으로 거의 눈에 띄지 않고 가볍고 우아하며 덧없는 미소를 가지고 있습니다. 두 작품이 거의 동시에 만들어졌기 때문에 이는 우연이 아닙니다.XVIII동시대 사람들이 "Gallant Age"라고 불렀던 세기. 그렇기 때문에 농담은 우아하고, 미묘하고, 약간은 숨겨져 있고, 지능적입니다.
– 이 음악이 우리에게 현대적이라고 부를 수 있다고 생각하시나요? (바흐가 가족에 대한 진심을 표현했기 때문에 가능한 일이고, 우리도 이를 이해했지만, 요즘에는 이러한 감정이 더 공개적으로 표현됩니다.)
– 바흐의 음악에 가장 끌렸던 점은 무엇입니까? 어쩌면 그녀가 어떤 식으로든 당신을 도와줬을지도 모르죠? (음악은 대화 상대의 말을 주의 깊게 듣고, 서로를 더 조심스럽고 친절하게 대하는 데 도움이 됩니다)
– 실제로 음악은 사람이 주변 사람들에게 친절함을 유지하고 반응을 잘 나타내는 데 도움이 됩니다.
– 바흐 가족이 힘든 하루를 보낸 후 만났을 때 그들은 원탁에 둘러앉아 촛불을 켜고 일상에 대해 이야기했다는 것을 기억하십시오. 어떤 감정으로? (친절, 존중, 성실, 온화함)
– 촛불을 켜고 이것이 바흐 가족을 따뜻하게 해준 불의 불꽃 조각이라고 상상해 봅시다.
(촛불이 켜지고 화면에 촛불의 불꽃 이미지가 나타납니다.)
"Candles"라는 노래가 연주됩니다(저자 M. Zvezdinsky).
– 서로를 바라보고 자신을 느껴보세요. 좀 따뜻해졌나요? 이는 귀하와 함께한 우리의 노력이 헛되지 않았음을 의미합니다.
– 수업 중에 우리는 바흐의 음악과 같은 고대 음악조차도 음악이 어떻게 우리 자신을 통해 우리 삶을 변화시키는지 느꼈습니다. 음악이 우리 영혼에 울려 퍼지면 잠시 동안 우리가 더 친절해진다는 뜻입니다.
– 수업 중에 우리는 다양한 예술 작품을 보았습니다. 저자는 자신의 방식으로 자신뿐만 아니라 많은 사람들과 관련된 문제를 다룹니다. 이들의 공통점이 무엇이라고 생각하시나요? (아이들의 답변) 다양한 예술적 색채를 사용하여 삶에 대한 태도를 진지하고 진실되게 표현합니다.
러시아의 위대한 작가 표도르 미하일로비치 도스토옙스키는 이렇게 말했습니다. “생각은 변해도 마음은 그대로입니다.” 실제로 세월이 흐르고 사람들은 태어나고 죽지만 믿음, 친절, 희망, 성실, 사랑 등 영원한 가치는 남아 있습니다...
숙제: 사랑하는 사람에게 감사의 편지를 씁니다(시, 엽서, 그림, 공예품 등의 형식).
예술 작품은 (작가의 의지에 따라 또는 작가와 독립적으로) 존재의 상수, 기본 속성을 변함없이 포착합니다. 이것은 무엇보다도 혼돈과 공간, 움직임과 고요함, 삶과 죽음, 빛과 어둠, 불과 물 등과 같은 보편적이고 자연적인 원리(보편적)입니다. 이 모든 것이 예술의 존재론적 주제의 복합체를 구성합니다.
더욱이 예술적 주제의 인류학적 측면은 변함없이 중요하고 유난히 풍부합니다. 첫째, 이율배반(소외와 개입, 교만과 겸손, 창조하거나 파괴하려는 의지, 죄성과 의로움 등)과 함께 인간 존재의 실제 영적 원리를 포함합니다.
둘째, 리비도 (성적 영역), 권력에 대한 갈증, 물질적 부에 대한 매력, 권위있는 것들, 편안함 등과 같은 사람의 정신적, 육체적 열망과 관련된 본능 영역입니다. 성별(남성성, 여성성) 및 연령(유년기, 청소년기, 성숙기, 노년기).
그리고 마지막으로 넷째, 이것은 인간 삶의 초시대적인 상황, 역사적으로 안정된 인간 존재 형태 (일과 여가, 일상 생활과 휴일, 현실의 상충되고 조화로운 원칙, 평화로운 삶과 전쟁이나 혁명, 가정 생활과 가정 생활)입니다. 외국 체류 또는 여행, 시민 활동 및 사생활 등). 그러한 상황은 행동과 노력, 종종 검색과 모험, 특정 목표를 달성하려는 사람의 열망의 영역을 구성합니다.
예술에 등장하는 명명된(및 명명되지 않은 채로 남아 있는) 실존적 원리는 풍부하고 다면적인 영원한 주제의 복합체를 구성하며, 그 중 다수는 의식 및 신화적 고대(고대)로 거슬러 올라가는 "원형"입니다. 예술적 창의성의 이러한 측면은 모든 국가와 시대의 유산입니다. 그것은 작품의 명시적인 중심으로 나타나거나, 작품에 잠재적으로 존재하거나, 작가가 무의식적으로 남아 있는 경우도 있습니다(신화적 하위 텍스트).
영원한 주제에 호소하는 예술은 인간 본성(인류학)에 대한 존재론적 철학과 가르침과 유사하고 가까운 것으로 드러납니다. 예술에서 실존 상수의 굴절은 낭만주의 시대 철학자들과 독일 신화 그림 학교의 과학자들, F.I. 러시아의 Buslaev) 및 신 신화적인 것. (N. Fry), Z. Freud와 C.G. Jung의 작품을 중심으로 한 정신분석적 미술비평.
최근에는 우리와 가까운 시대의 문학적 창의성에 신화적 고고학의 관련성을 탐구하는 많은 진지한 작품이 등장했습니다(G.D. Gachev, E.M. Meletinsky, Smirnov, V.I. Tyupa, V.N. Toporov의 작품). D.E.의 이론적 일반화는 특별한 관심을 받을 가치가 있습니다. 막시모바.
모든 시대의 문학에서 고대로 거슬러 올라가는 보편성의 엄청난 중요성을 언급하면서 과학자는 동시에 19~20세기 문학의 "신화시적 전통"에 대해 이야기했습니다. 비포괄적인 지역적 현상이다. 이 전통은 D.E. Maksimov는 Dante의 Divine Comedy와 Milton의 시에서 Goethe의 Faust와 Byron의 미스터리까지 확장됩니다. 특히 상징주의에서는 바그너 이후 더욱 활발해졌습니다.
과학자는 예술과 문학의 전체 신화에 대해 널리 받아 들여지는 생각에 동의하지 않습니다. “진지하고 박식한 과학자들이 종종 매료되는 현대 예술 작품의 신화 해석에서 자유로운 문학적 환상을 승인 할 수 없습니다. .” 우리 의견으로는 이 판단은 완전히 공정합니다. 실제 신화적이고 신화적인 시작과 (더 광범위하게) 실존적 보편성의 영역(모든 중요성에도 불구하고)은 예술적으로 인식되고 숙달된 것을 소진시키는 것과는 거리가 멀습니다. 이것은 예술이라는 주제의 한 측면일 뿐입니다.
V.E. 칼리제프 문학이론. 1999년
의심 할 여지없이 인류의 문화 유산 보존은 문화 분야에 어떤 식 으로든 관련된 사람들의 가장 중요한 활동 영역 중 하나입니다. 그러나 기사의 저자에 따르면 문화유산 보존은 그 자체로 목적이 될 수 없습니다. 일종의 살아있는 유기체, 역동적인 시스템으로서의 문화는 변화와 갱신의 지속적인 과정을 의미합니다. 이러한 프로세스가 진행되는 동안 혁신적 경향과 보호적 경향 사이의 갈등이 발생하는 "노드" 순간이 종종 관찰됩니다. 이 갈등은 “평화로운” 논쟁에서부터 충격적인 슬로건에 이르기까지 완전히 다른 형태를 취합니다. 각 시대는 정경성과 실험 사이의 관계와 균형 확립에 대한 고유한 변형을 찾습니다.
그러나 정경의 절대적인 지시와 절대적인 거부는 문화 전체 또는 개별 영역의 발전에 기여하지 않습니다. 그 후, 기간이 길어짐에 따라 갈등이 "완화"되고 새로운 통합 프로세스가 시작됩니다. 갈등 이후 통합은 새로운 “나선형 전환”에 따라 다르게 진행됩니다. 이러한 논제는 예를 들어 원시 혼합주의 이후의 예술 형식의 차별화와 이후의 통합으로 설명될 수 있습니다. 자세한 내용은 다음을 참조하십시오... 이 단계에서는 "영원한" 영역에 대한 "오래된" 검색을 활성화합니다. 전통적으로 "영역"은 "오래된" 영역에 대해 이야기하고 있는 것입니다. 영원하다”, 그리고 특정 선택 메커니즘이 여기에서 작동합니다. .. 독점적으로 역사적 관심의 범위를 넘어서 기초는 아니지만 신흥 새로운 시스템의 필수 요소가 되는 것은 이 영역입니다.
예술 분야의 소위 "영원한 주제"를 이러한 영역 중 하나로 간주하는 것은 상당히 공정합니다. "영원한 주제"는 인류 역사 전반에 걸쳐 관련성을 잃지 않은 정신과 사고의 층을 포함합니다. 예를 들어, 선과 악 사이의 투쟁이라는 주제, 진리 탐구의 주제, 희생의 주제, 사랑의 주제 등을 구식이라고 부를 수는 없습니다. 이러한 문제는 여러 각도에서 여러 번 고려되었습니다. K.G.의 유산을 회상하기에 충분합니다. Jung, K. Lévi-Strauss, Y. Lotman, L. Gumilyov 등 어쨌든 우리는 예술적 텍스트나 의식 전반의 내용이나 구조적 측면에서 시간을 초월한 불변성을 찾는 것을 관찰합니다. 종종 "오래된" 것의 "영원한" 영역의 요소인 신화적 모티프와 이미지는 불변의 역할을 합니다. 따라서 역사적 맥락과 특정 상황에 맞춰 가장 자주 반복되는 이미지와 상황으로 안정적인 "황금 기금"이 형성됩니다. 반복과 억양 아치가 시적 또는 음악적 형식의 가장 중요한 닻 역할을 하는 것처럼, “영원한 주제”는 아마도 인류 문명의 “고정 장치” 역할을 할 것입니다.
현대 '감독 연극'의 많은 혁신은 이러한 '영원한 주제'라는 속성에 기반을 두고 있습니다. 200~300년 전의 명작을 '현대화'하는 것의 필요성과 타당성을 둘러싼 논쟁은 멈추지 않는다. 이런 식으로 시대 사이에 실이 '늘어난다'는 의견이 있고, 이런 식으로 현대 미술이 그 자체의 무력함을 보여준다는 의견도 있습니다. 두 의견 모두 논란의 여지가 있지만 부인할 수 없는 존재 권리가 있습니다. 그러나 현대 예술가는 '주체의 빈곤'을 시대의 탓으로 돌릴 권리가 없다. 반복되는 이미지와 상황은 어디에서나 관찰되므로 이를 "인식"할 수만 있으면 됩니다. 예를 들어, 자기 희생이라는 주제는 수세기에 걸쳐 확장됩니다. 동포의 승리를 위해 제단에 오르기로 동의 한 Iphigenia의 신화 일 수 있습니다. 아마도 전염병으로 고통받는 사람들을 치료하고 전염병으로 죽은 시인 Juana Ines de la Cruz에 대한 이야기 일 것입니다. 어쩌면 Alexander Matrosov의 위업에 관한 이야기 일 수도 있습니다. 예레반 댐에서 무궤도 전차가 떨어졌을 때 자신의 장애를 희생하여 수십 명의 생명을 구한 스쿠버 다이빙 세계 챔피언 Shavarsh Karapetyan의 이야기; 아마도-Yandex의 뉴스 피드를 읽으십시오. 자신의 비용으로 수십 명의 생명을 구한 Novgorod 간호사 Yulia Onufrieva의 업적에 대한 이야기입니다. 이것은 역사상 발생한 수천 건의 사례 중 일부에 불과하며, 이러한 사례를 '음모'로 간주하는 것은 신성 모독이라는 의견이 있습니다. 그러나 줄거리가 됨으로써 이야기는 영생을 얻게 되며, 이는 오벨리스크를 세우는 것보다 영웅들에 대한 인류의 기억을 보존하는 데 훨씬 더 중요할 수 있습니다.
따라서 “영원한 주제”는 지속적인 관련성을 갖고 있기 때문에 영원하다고 불립니다. 동시에, 그것들은 인류의 의식 속에 불가분의 전체로서 존재하는 특정 개념적, 감정적 층을 구성합니다. 따라서 주제의 관련성과 함께 예술 텍스트는 관련성을 잃지 않습니다. 이 경우 예술 텍스트는 모든 언어 코드(회화, 음악, 문학, 연극 등)를 기반으로 한 지역적 구성으로 이해됩니다. 그것을 구현하는 것. 이는 현대의 시청자/청자가 모든 시대의 예술 텍스트에 접근할 수 있다는 점을 크게 설명합니다. 이 경우 다양한 시대의 문화유산이 보존될 뿐만 아니라 수요도 많아 현대 문화 공간의 통합 시스템에 유기적으로 엮여 있습니다.
문화유산을 보존하기 위한 메커니즘으로서 예술의 "영원한 주제" 기금을 이해하려면 체계화 작업이 필요합니다. 이는 현재 존재하지 않기 때문에 필요한 작업입니다.
중요한 것은 관점이지 '영원한 주제'의 회고적 의미만이 아닙니다. 이는 문화유산을 보존할 뿐만 아니라 문화적 가치를 높이고 문화를 더욱 발전시키기 위한 메커니즘입니다. 예술의 "영원한 주제"는 과거, 현재, 미래를 연결하는 일종의 "다리"역할을 하며 예술적 이미지의 불멸성, 인간 창의성, 문화 전체를 보장합니다.
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